Maja Bajević, John Bock, Gary Hill, Thom Kubli, Mads Lynnerup, Alastair MacLennan, Sergio Prego, La Ribot, Carlos Rodríguez-Méndez, SUE-C + AGF

Maja Bajević

Slogans Remix

El mundo se rige por eslóganes, frases cortas y tajantes que ocultan más de lo que expresan. En la vida política, económica y social, por la complejidad de sus mensajes, cabe poco más que esas consignas, que en muchas ocasiones evocan acontecimientos históricos específicos o épocas especialmente oscuras. Algunas, incluso, son intercambiables y utilizadas por facciones políticas opuestas.

Junto con el grupo musical Basheskia & Edward EQ, Bajević puso música a un centenar de eslóganes que sirven de base para la performance que se presenta en el MARCO. Las mismas consignas serán activadas posteriormente en diferentes lugares de Vigo, durante los meses de la exposición, gracias a la colaboración de un grupo de cantantes no profesionales. Así, las consignas políticas del pasado —muchas de ellas, afortunadamente, con un carácter anacrónico— se reintegrarán en un contexto cotidiano, retomando su dimensión cultural e incitando a un diálogo político y social tan necesario hoy en día.

El trabajo de Bajević aborda cuestiones relevantes de la historia reciente: la identidad colectiva, la tragedia y el destino; la construcción y deconstrucción de la Historia, la ideología y la sociología. A modo de catalizador, crea narrativas que hacen referencia a la memoria y a la identidad, que reflexionan sobre el pasado y el presente de acontecimientos sociopolíticos locales con una implicación internacional, que aluden a un destino colectivo y a los fragmentos de una historia destrozada.

Maja Bajević (Sarajevo, Bosnia Herzegovina, 1967), que vive y trabaja en París, Berlín y Sarajevo, ha participado en algunas de las exposiciones más importantes de las dos últimas décadas. El pasado año presentó, en el Palacio de Cristal (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid) el proyecto Continuará, su primera exposición en España tras haber expuesto individualmente en espacios como Kunsthaus Glarus, Fondazione Bevilacqua La Masa de Venecia, Moderna Museet de Estocolmo, o PS1 de Nueva York. Su trabajo ha sido presentado en documenta 12 de Kassel, y en las bienales de Moscú, Sharjah, Sevilla, Estambul y Venecia.

John Bock

Vas-y!

La obra de John Bock combina el teatro del absurdo con entornos e instalaciones igualmente improbables. Sus escenarios y acciones verborrágicas parten siempre de premisas culturales neo-científicas, surrealistas, grotescas y frecuentemente violentas.

En Vas-y!, una obra originalmente presentada en la Bienal de Lyon en 2005, Bock crea una “vivienda” en una especie de barril, cuyo aspecto es una mezcla entre nave espacial y rueda para roedores. Como tal, la rueda gira impulsada por una persona, lo que hace imposible permanecer en el interior. Bock alude, como de costumbre, a una existencia hilarante: una disyuntiva irreconciliable entre el entorno, su función y la aptitud humana.

John Bock (Schenefeld, Alemania, 1965) ha participado en un gran número de exposiciones internacionales entre las que destacan la Bienal de Venecia y la documenta 11 de Kassel, así como en muestras individuales en instituciones internacionales como el MoMA y el New Museum de Nueva York, Kunst-Werke Institute for Contemporary Art de Berlín, Kunsthalle de Basilea, Secession de Viena y el ICA de Londres.

Gary Hill

Writing Corpora

Fiel a su interés por la lingüística, por sus matices y dobles sentidos, Gary Hill juega con expresiones idiomáticas comunes, con frases hechas que aluden a partes anatómicas del cuerpo humano, para ilustrar significados. El artista se apropia de estas frases o expresiones y las escenifica en su sentido literal, de modo que pone de manifiesto su incongruencia y absurdo. Las alusiones al cuerpo humano pierden su funcionalidad anatómica y se convierten en parte de procesos metafóricos y asociativos.

Writing Corpora es una obra de traducciones. Las expresiones son traducidas del inglés al español y viceversa, y también de la lengua hablada al lenguaje físico. Más aún; a través de la tecnología, la presencia corporal del artista es “traducida” a una existencia virtual en la que él mismo queda plasmado. Pero todas las traducciones son imposibles y dan lugar a una cadena tergiversada y deficiente de la que también forma parte el espectador, que interacciona con la presencia virtual del artista y con las frases así “materializadas”.

Gary Hill (Santa Monica, EEUU, 1951) ha estado presente en museos e instituciones de todo el mundo, con exposiciones individuales en Fondation Cartier pour l’art contemporain de París, Centre Georges Pompidou de París, San Francisco Museum of Modern Art, Guggenheim Museum Soho de Nueva York, Museum für Gegenwartskunst de Basilea, MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona o Kunstmuseum Wolfsburg, entre otros.

Thom Kubli

Record Attempt [Intento de récord]

Esta instalación y plataforma de performance presenta un archivo documental y un escenario en directo para que los participantes intenten batir el récord del “Solo de guitarra más largo jamás interpretado”, que en la fecha de inauguración de la exposición está en 6 horas y 18 segundos.

La obra comienza con un intento por parte del artista y, a partir de entonces, el concurso está abierto al público para responder al reto durante el período que dure la muestra, previa cita. Todas las actuaciones están supervisadas por un notario, y retransmitidas en tiempo real a través de la web. Durante las acciones, el público permanece separado físicamente de la actividad, que tiene lugar dentro de una cabina aislada, provista de una mirilla para ver el interior. Cuando la cabina está vacía, funciona a modo de testigo silencioso. En ambos casos, el espacio expositivo hace referencia al potencial estético de una performance en directo, que introduce la idea de espectáculo y de concurso como parámetros musicales ambiguos.

En la misma sala se exhibe también un vídeo que documenta el primer intento de récord de Thom Kubli, sincronizado con un texto sonoro —tipo confesión— del artista revelando los sinceros motivos que le llevaron a realizar el “Solo de guitarra más largo jamás interpretado”. A medida que avanza la búsqueda de iniciativas biográficas, se va dibujando una imagen mental y social particular.

Thom Kubli (Fráncfort, Alemania, 1969) trabaja en el campo de las instalaciones sonoras. Estudió guitarra y composición, y en 1998 fundó la firma BMB-Lab. En 1999 se trasladó a Colonia para estudiar en la Kunsthochschule für Medien. Ha presentado su trabajo en espacios expositivos y festivales como ICA de Londres, Akademie der Künst de Berlín, Ars Electronika de Linz, Center for Contemporary Art de Praga, Transmediale de Berlín, Podewil de Berlín, Deutsches Museum de Munich, o EMPAC de Troy, Nueva York.

Mads Lynnerup

Plastic Gymnastic [Gimnasio plástico]

Como artista que acababa de empezar a entrenar en serio, a Mads Lynnerup le fascinó la apariencia del equipamiento habitual de los gimnasios y el modo en que funcionaban como objetos en los centros de entrenamiento. Esta observación diaria le sirvió para la investigación que estaba llevando a cabo, que intenta romper con la naturaleza estática del objeto artístico dispuesto en galerías y museos.

La instalación Plastic Gymnastic es resultado de su interés por crear objetos que puedan ser utilizados en un entrenamiento completo y que, al mismo tiempo, permitan al visitante utilizarlos dentro del propio espacio expositivo, transformando así los códigos de conducta habituales.

Del mismo modo, esta pieza nos descubre la fascinación del artista por las similitudes existentes entre dos mundos aparentemente dispares; los paisajes antitéticos del arte contemporáneo y del fitness: “Creo que ambos mundos tienen mucho en común; los dos son obsesivos y fanáticos (solo se piensa en entrenar o en hacer arte) y me gusta la idea de que como artista en mi estudio también estoy entrenando”. En este caso es totalmente cierto, no solo desde el punto de vista conceptual sino también físicamente.

El trabajo de Lynnerup analiza y relaciona irónicamente la vida urbana con un comportamiento social ya asumido, para abordar contenidos más amplios de alienación y perversión. Llama la atención sobre las peculiaridades de la existencia contemporánea y se centra en objetos específicos y en su potencial para cumplir y a la vez subvertir dichas peculiaridades.

Mads Lynnerup (Copenhague, Dinamarca, 1976) vive y trabaja entre Nueva York y Copenhague. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Columbia, sus obras han estado expuestas en museos de todo el mundo, entre ellos San Francisco Museum of Modern Art, The Mori Art Museum de Tokio, PS1 de Nueva York y Zacheta National Gallery of Art de Varsovia.

Alastair MacLennan

Lain Nail

Alastair MacLennan es uno de los pioneros del género del arte de acción. En sus obras crea un entorno artístico en el que evoca situaciones diarias y conocidas, que a la vez le sirve como lugar para la acción.

Los elementos que MacLennan utiliza en su instalación tienen una gran carga emocional y en sus acciones hace uso de alegorías, paradojas, metáforas y contradicciones. La instalación se activa durante los días de la inauguración con una performance duracional en la que el artista efectúa —dentro del entorno ya creado— mínimas acciones que delatan su presencia. Lain Nail alude al pasado del edificio del MARCO como cárcel, pero también evoca posibilidades futuras de creatividad y convivencia.

Alastair MacLennan (Blair Athol, Escocia, 1943) vive en Belfast, Irlanda del Norte. Durante las décadas de los setenta y los ochenta realizó largas performances en Reino Unido, Estados Unidos y Canadá, de hasta 144 horas de duración, sin comer ni dormir durante todo el proceso. Desde 1989 es miembro de Black Market International, prestigiosa entidad dedicada al arte de la performance con actividad en todo el mundo. En 1997 representó a Irlanda del Norte en la Bienal de Venecia.

Sergio Prego

Sin título

La instalación de Sergio Prego consiste en una subdivisión de la arquitectura en diferentes niveles por medio de túneles transitables, transparentes y traslúcidos. El espacio queda dividido por estos tubos neumáticos en seis sectores, cuya simetría sugiere un espejo no óptico sino conceptual. Se establece una correlación espacial de actividad horizontal y otra vertical en la que cada espacio tiene su correlativo o su doble.

La acción consiste en transitar a través de los túneles neumáticos y en su documentación en vídeo, según un sistema de grabación en el que varias cámaras se desplazan en paralelo a una velocidad y ángulo de visión semejante. La obra, en su totalidad, propone a los espectadores la inmersión en una línea narrativa a través de un movimiento espacial que sucede más allá de los límites espacio-temporales inmediatos.

Sergio Prego (San Sebastián, 1969) estudió en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao y posteriormente completó su formación en Arteleku, San Sebastián. Desde 1996 vive y trabaja en Nueva York. Prego ha realizado exposiciones a nivel internacional entre las que destaca la reciente instalación Ikurrina Quarter, realizada expresamente para Art Unlimited en Art 41 Basilea. Otros lugares destacables en los que se han podido ver sus trabajos son el Palazzo delle Papesse Centro Arte Contemporánea di Siena, The Museum of Contemporary Art de Denver, PS1 de Nueva York y Guggenheim de Bilbao.

La Ribot

Laughing Hole [El agujero de la risa]

El trabajo de La Ribot diluye los límites tradicionales entre la danza contemporánea y las disciplinas artísticas de la instalación y la performance. En Laughing Hole, la duración de la acción (seis horas), su emplazamiento, la aleatoriedad de los movimientos y la improvisación del sonido, dan como resultado una estructura más basada en la performance duracional que en el espectáculo.

El tratamiento de los cartones y los textos, y el modo azaroso en que se posicionan en el espacio, crean una narrativa filosófica existencialista. Las frases aluden a situaciones extremas de represión y encarcelamiento, mientras las risas de los participantes —que conforman la banda sonora de la instalación— ponen el acento en el inalienable derecho a la insubordinación y a la libertad personal.

La Ribot (María Ribot; Madrid, 1962) es una coreógrafa, performer y artista visual de fama internacional. Sus obras se han representado tanto en museos y galerías de arte como en teatros, desde la Tate Modern de Londres, al MNCARS de Madrid, el Centre Pompidou o el Théâtre de la Ville de París. Desde principios de los noventa comienza a trabajar progresivamente en la construcción de una obra distinta y completamente personal en la que el papel protagonista está reservado a las Piezas distinguidas: solos en formato breve que exploran los límites entre la performance, la danza y las artes visuales. Alcanzó fama en el mundo de la performance y de las artes visuales a través de sus piezas de corta duración —de entre 30 segundos y 7 minutos— o las más largas —6 horas en el caso de Laughing Hole, que se presenta en el MARCO. El trabajo de La Ribot está estructurado en un sistema que le permite investigar, expandir y cuestionar los límites espaciales y temporales de la danza y dejar atrás las fronteras entre público y artista.

Carlos Rodríguez-Méndez

Residuo Boca

La obra de Carlos Rodríguez-Méndez en Presencia activa. Acción, objeto y público conecta el espacio del MARCO y la esfera pública mediante una serie de acciones orquestadas en diferentes lugares. Estas acciones investigan sobre la semántica de la escultura bajo los conceptos de introducción y descomposición, receptáculo y depósito, residuo y transformación.

Tales conceptos se manifiestan en acciones “heroicas” —como el desmantelamiento de un enorme depósito para líquidos, su introducción en el “sancta sanctorum” del museo y la búsqueda del ángulo inferior del panóptico a través de estas piezas escultóricas (Residuo Boca); o como el hombre que desayunará cada mañana en una cafetería en la ciudad de Vigo, invitado por el Museo, durante todo el tiempo que dure la exposición (Hombre en Mañana)— y también en otras acciones mínimas, como (Insecto Alto Cavidad), en la que el artista mastica comida acompañado de un hombre más alto que él, para verterla sobre un insecto al que se le ha retirado la carcasa; o (Congelar Aceite), que, simultáneamente, tiene lugar en la LABoral de Gijón: un arcón industrial en el que se congela aceite vegetal. Estas acciones y sus huellas crean un continuo durante el tiempo de la exposición y en el espacio de la ciudad, del museo y de receptáculos varios, inanimados y humanos.

Rodríguez-Méndez recurre a materiales, formas y lenguajes primarios para construir esculturas, instalaciones e intervenciones. El proceso de trabajo, desde la concepción hasta su instalación en el espacio expositivo, tiene un peso determinante en su obra. En sus acciones y en los procesos de construcción e instalación de una pieza, se comporta como sus esculturas, se apropia de cada lugar —de su historia, su significado, su razón de ser, su relación con el hombre y con el medio— de modo que el cuerpo del artista adquiere, en el espacio público, una apariencia y reflexión escultórica.

Su interés por la escultura, por la acción y la palabra, por el análisis de estos lenguajes y el modo de inmiscuirse en su semántica a través de proyectos de intervenciones, de instalaciones y esculturas, le lleva a realizar obras que exceden el espacio donde van a ser instaladas. El uso del cilindro, las conducciones, la turba y el aceite, el sonido y el cuerpo son interpretados como formas y materiales inaprensibles; geometrías básicas que cuestionan y alteran el proceso de construcción, que tratan de la coartación del espacio, de la decisión sobre la visibilidad y el término de una obra, de la temporalidad y el error.

Carlos Rodríguez-Méndez (As Neves, Pontevedra, 1968) vive en Madrid. Licenciado por la UCM de Madrid, sus proyectos expositivos han sido presentados en el CA2M de Móstoles, S.M.A.K. y Vooruit Arts Centre de Gante, CGAC de Santiago de Compostela, IVAM, La Casa Encendida de Madrid, e individualmente en instituciones como el S.M.A.K. de Gante, Matadero Madrid, Instituto Cervantes de Madrid, MARCO de Vigo, y Fundación Yaddo en Nueva York.

SUE-C + AGF

Infinite Jest [La broma infinita]

Infinite Jest cobra vida como instalación y como película artesanal en directo inspirada en la compleja y destacada novela del mismo título escrita por David Foster Wallace. Cuando la pieza toma forma de instalación, el público experimenta el espacio como un ambiente constituido por una banda sonora textual, un vídeo proyectado en gran formato, y varios grupos de miniaturas dispuestos para que la gente pueda caminar entre ellos y examinarlos. Durante la performance, la película cobra vida a través de la lente de cámaras en directo que recogen la manipulación de fotografías, dibujos, maquetas y varios objetos tridimensionales realizados por la vídeo-artista y performer SUE-C, junto con la suntuosa banda sonora electrónica y voz en directo de AGF, con narración de Francis Deehan. Localizada en un escenario ligeramente futurista, la película es un intento por crear y recrear lo que el personaje James Orin Incandenza, experto en óptica y cineasta, consideraba la mayor obra de su vida. Tras varios intentos fallidos que no vieron la luz, su “película” de entretenimiento acaba por estrenarse, y se revela como fatalmente seductora. Tomando lo anterior como punto de partida, SUE-C y AGF, veteranas compañeras en el mundo audiovisual, exploran la expresión de la seducción a través del sonido y de la imagen.

SUE-C y AGF han pasado la mayor parte de sus vidas separadas por 8.000 kilómetros de mar y tierra. Tras conocerse hace una década, empezaron a colaborar activamente en proyectos audiovisuales y en la vida misma. El lanzamiento del CD/DVD Mini Movies en 2006 fue presentado y ejecutado en docenas de festivales de cine y música electrónica por todo el mundo. Conocido por aportar una experiencia orgánica e íntima a su público, el dúo combina imaginería en vivo, voz y música electrónica en hologramas acústicos.

SUE-C (Sue Costabile; Long Island, Nueva York, 1974) ha elaborado durante los últimos diez años vídeos artesanales, tanto para escena como para pantalla, como artista visual y de performance con base en el área de la Bahía de San Francisco. Sus trabajos desafían las reglas de la fotografía, el vídeo y la tecnología al mezclarlas con un escenario performativo orgánico y de improvisación en directo. Mediante el uso de multitud de herramientas digitales con las que crea un “instrumento” de animación experimental, SUE-C sintetiza el cine a partir de la fotografía, el dibujo, la acuarela, el papel hecho a mano, los tejidos y los efectos de iluminación en miniatura. Oscuras, taciturnas, texturadas y físicas, sus películas en directo beben a un tiempo de los lenguajes cinéticos del cine abstracto de Stan Brakhage y de las esculturas luminodinámicas de Nicolas Schöffer. Utiliza las mismas técnicas en sus trabajos grabados para resaltar la belleza de la esquina banal de una calle, un aparcamiento público, una playa olvidada en invierno, un trozo de una fotografía encontrada, un descarte de una película de vacaciones en super-8, y otros espacios intermedios, casi olvidados y a menudo desapercibidos, de su entorno. www.sue-c.net [21]

Antye Greie aka AGF, nacida en la RDA, vive y trabaja en Hailuoto, Finlandia. Cantante y compositora digital, productora, performer, e-poetisa, calígrafa, artista digital, es conocida por su exploración artística en tecnología digital a través de la deconstrucción del lenguaje y la comunicación. Su poesía, que convierte en música electrónica, caligrafía y medios digitales, ha sido presentada grabada en performances en directo e instalaciones sonoras en museos, auditorios, teatros, salas de conciertos y clubes de Europa, América y Asia. Otros proyectos incluyen el dúo de música electrónica alemán Laub, The Lappetites, AGF/DELAY (con Vladislav Delay), THE DOLLS (Vladislav Delay y Craig Armstrong) y Zavoloka/AGF, colaboraciones con Craig Armstrong, Ellen Allien, Gudrun Gut, Eliane Radigue o Kaffe Matthews. AGF dirige su propia empresa de producción, AGF Produktion, en 2004 ganó un Premio de Distinción en el festival Ars Electronica, y fue portada de The Wire Magazine en 2006 en el Reino Unido. www.poemproducer.com [22]