rss feed Imprime esta páxina Envía esta páxina
Wilfredo Prieto
Wilfredo Prieto
Wilfredo Prieto
Wilfredo Prieto
Wilfredo Prieto
Wilfredo Prieto
Wilfredo Prieto
Wilfredo Prieto
Wilfredo Prieto
Wilfredo Prieto
Wilfredo Prieto
Wilfredo Prieto

Wilfredo Prieto. "Izquierda/Derecha". Entrar en la obra II

Ficha

Fechas: 
8 abril 2011 - 5 junio 2011
Lugar: 
salas de exposiciones del primer piso
Horario: 
martes a sábados (festivos incluidos) de 11.00 a 21.00, domingos, de 11.00 a 15.00
Producción: 
MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo
Comisariado: 
Agar Ledo
Comisariado: 
Iñaki Martínez Antelo

PRESENTACIÓN

La exposición de Wilfredo Prieto es la segunda propuesta del ciclo ‘ENTRAR EN LA OBRA’, que se desarrolla a lo largo de varios meses en las salas de la primera planta, y cuyo título está tomado de la célebre pieza de Giovanni Anselmo Entrare nell’opera (1971). La paradoja que rodea el concepto de espectador y que lo sitúa entre la pasividad y la acción es el punto de partida de esta serie de proyectos, que analizan al público, al visitante, al espectador, a la audiencia, como un elemento inherente a la obra.

OBRAS EN EXPOSICIÓN

El trabajo de Wilfredo Prieto (Sancti-Spiritus, Cuba, 1978) revela una posición crítica que es resultado de la modificación sutil de objetos cotidianos. Estas intervenciones discretas, que recurren en su mayoría a objetos del día a día, desprovistos de cualquier aura, dan origen a imágenes en las que el gesto artístico se vuelve prácticamente invisible. Si bien su objetivo no es entretener al espectador, el humor se convierte a menudo en un componente importante de su práctica artística, no como un fin en sí mismo sino más bien como resultado de la distancia crítica del artista, o de la relación poco convencional que establece con los temas o los medios elegidos.

Síntesis del proyecto

‘Entrar en la obra’

‘Entrar en la obra’ es un ciclo de exposiciones que se está desarrollando en las salas de la primera planta del MARCO. El título del ciclo está tomado de la célebre pieza de Giovanni Anselmo Entrare nell’opera (1971), emulsión fotográfica sobre lienzo, en la que el artista se fotografía a sí mismo atravesando una ladera en una acción que interpretamos como reveladora sobre la relación entre el artista y su obra y entre el espacio y el tiempo. El artista altera su papel y genera una situación de integración, ante la que también reacciona el espectador que, si bien no entra físicamente en la obra, participa siendo testigo de esta ruptura de los límites tradicionales que separan sujeto y objeto. El significado último reside, pues, en la reacción del espectador.

El papel fundamental del espectador en el proceso de creación de la obra de arte ha formado parte, en las últimas décadas, de discusiones y ensayos. A lo largo del siglo XX surgen los conceptos de obra abierta, espectador emancipado o muerte del autor, y el rol del público pasa a ser esencial para completar la pieza, mediante su mera presencia física o la necesidad de implicarse activamente. El artista ya no es el eje central del proceso y las coordenadas de percepción las marcan, como escribe Douglas Crimp, no solo el encuentro entre el espectador y la obra, sino entre ambos y el espacio que ocupan. ¿En qué grado necesita el público estar ante la obra? ¿El simple hecho de mirar no tiene ya valor?

La paradoja que rodea el concepto de espectador y que lo sitúa entre la pasividad y la acción es el punto de partida de esta serie de proyectos, que analizan la condición del público como elemento inherente a la obra. La relación directa entre ambos, el intercambio físico o la reciprocidad inmediata generan una nueva dimensión en la que tiempo y espacio alteran las condiciones de la recepción y de la percepción.

El ciclo ‘Entrar en la obra’ se inició con Loreto Martínez Troncoso, para continuar ahora con Wilfredo Prieto, al que seguirán las propuestas de Rubén Grilo (Lugo, 1981), Karmelo Bermejo (Málaga, 1979), Judi Werthein (Buenos Aires, Argentina, 1967), y Amaya González Reyes (Sanxenxo, Pontevedra, 1979).

Wilfredo Prieto

Wilfredo Prieto (Sancti-Spiritus, Cuba, 1978) construye su obra a partir de materiales y objetos cotidianos de los que se apropia, sin apenas manipularlos, para alterar su naturaleza dotándolos de nuevos significados. El absurdo y el humor se unen a la descontextualización duchampiana como estrategias que le permiten construir un discurso ambiguo —por la sencillez de la forma y la complejidad de significado— cuyo punto de partida es el espectador. Su comportamiento añade nuevas lecturas a las piezas, superando la autorreferencialidad minimalista y abriéndolas a múltiples interpretaciones.

De carácter conceptual y formalmente mínimas, aunque narrativas, las ‘intervenciones’ de Wilfredo Prieto se comportan como poemas visuales, fruto de la reducción máxima de la idea primera y de la aplicación de juegos de escala o conceptos básicos del minimalismo como ‘lugar’ y ‘presencia’.

El título de su intervención en el MARCO, Izquierda/Derecha, alude a la simetría bilateral del espacio de la primera planta, con dos salas laterales exactamente iguales en sus dimensiones y disposición. Wilfredo Prieto realiza una conexión con una de las paradojas más extendidas de la historia de la filosofía. Según Jean Buridan —filósofo escolástico francés del siglo XIV—, cuando nos encontramos ante dos alternativas deseables elegiremos la mejor y, en caso de que sean iguales, la voluntad retrasará esa elección para analizar las consecuencias.

Los satirizadores de Buridan, basándose en la supuesta ‘inacción’ que supone equiparar razón y voluntad, crearon una paradoja sobre un asno hambriento que, ante dos montones de comida iguales y equidistantes, moriría de hambre al no poder tomar una decisión. Esa aserción, conocida como el ‘asno de Buridan’, nos retrotrae a un párrafo extraído de De Caelo, de Aristóteles: “y el [argumento] del que padece terriblemente de hambre y sed pero que dista lo mismo de los alimentos y de las bebidas, éste, en efecto, se dice que forzosamente permanecerá quieto [...]”.

La formalización de los pensamientos de Buridan, o más bien de la reducción al absurdo de sus teorías, es el punto del que parte Wilfredo Prieto para llevar a cabo esta intervención creada específicamente para los espacios del MARCO. La simetría de las salas de exposición de la primera planta determina el recorrido y sitúa al espectador en el dilema de elegir hacia dónde dirigirse, hacia la izquierda o hacia la derecha, para encontrarse con dos ‘esculturas’ idénticas de factura minimal, materiales cotidianos de evocación povera, y la sutileza conceptual que definen la obra de Wilfredo Prieto.

Artistas

Wilfredo Prieto


Wilfredo Prieto nació en Sancti-Spiritus, Cuba, en 1978; vive y trabaja en La Habana y Barcelona. Completó sus estudios en el Instituto Superior de Arte (ISA) de La Habana, Cuba. Participó en el grupo Galería DUPP (Desde una Pragmática Pedagógica), con el que, durante la octava Bienal de La Habana, recibió el premio UNESCO para la promoción de las artes. Ha obtenido las residencias Kadist Art Foundation de París y John Simon Guggenheim de Nova York, entre otras, y en 2008 recibó el premio F de Buenos Aires y el de la Fundación Cartier de Londres. En la actualidad prepara una gran muestra en el Museo de Arte Contemporánea de Detroit, y ha inaugurado recientemente las exposición Amarrado a la pata de la mesa en el CA2M de Móstoles, Madrid, y Praxis, en ARTIUM, Vitoria. 

Wilfredo Prieto ha estado presente en las últimas ediciones de la Bienal de La Habana, y en eventos internacionales de la talla de la Bienal de Venecia de 2007 o la Bienal de São Paulo de 2010. Entre sus exposicións individuais cabe mencionar Negro, Mate, Seco, NoguerasBlanchard, Barcelona (2010); Mountain, SMAK, Gante, Bélxica (2008); Dead angle (Lost Bills), Kadist Art Foundation, París, Francia (2006); Mute, McMaster Museum of Art, Hamilton, Canadá (2006); Mucho ruido y pocas nueces II, MUSAC, León, (2005). Su trabajo ha sido incluído en numerosas exposicións colectivas, entre las que destacan Lisson presents 4, Lisson Gallery, Londres, Reino Unido (2009); Stowaways, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco, EUA (2009); That was then... this is now, PS1 MoMA, Nova York, EUA (2008); Environment: Perils, Promises and Perplexities, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turín, Italia (2008). Prieto participou tamén nas Bienais de Tesalónica, Singapur, e Cuvée, Linz (2009).

Wilfredo Prieto

Formación

2003 Profesor en el Instituto Superior de Arte, A Habana
        Postgrao en Performance, Instituto Superior de Arte, A Habana, Cuba

1998-2002 Galería DUPP (Desde Una Pragmática Pedagógica, colectivos de artistas), Instituto Superior                 de Arte, A Habana, Cuba. Dirigido por Rene Francisco Rodríguez

1992-1996 Escuela Profesional de Artes Plásticas, Trinidad, Cuba

Exposiciones individuales

2012 MOCAD, Museum of Contemporary Art, Detroit, EUA (próx.)

2011 Wilfredro Prieto. Esquerda / Dereita (Entrar na obra, 2), MARCO, Museo de Arte Contemporánea de             Vigo
        Wilfredo Prieto, Praxis, ARTIUM, Vitoria
        Kunsthalle Lissabon, Lisboa
        Atado a la pata de la mesa, Centro de Arte 2 de Mayo (CA2M), Móstoles, Madrid

2010 Negro, mate, seco, NoguerasBlanchard, Barcelona

2009 I am making Art, Wilfredo Prieto & Ignacio Uriarte, Taka Ishii Gallery, Kioto & Toquio

2008 Mountain, SMAK, Gante, Bélxica
        Desnudo, Galerie Martin Van Zomeren, Amsterdam

2007 S/t (Alfombra roja), NoguerasBlanchard, Barcelona
        Sacando al perro y comiendo mierda, Parque Lennon, A Habana, Cuba
        A minute of silence, Artists’ Web Projects, Dia Art Foundation, Nova York

2006 S/t (Grúa), Madrid Abierto, Madrid
        Grasa, jabón y plátano, Convento de Santa Clara, A Habana
        Mute, MacMaster Museum of Art, Hamilton, Canadá
        Ángulo muerto, Kadist Art Foundation, París

2005 Mucho ruido y pocas nueces II, MUSAC, León

2004 S/t (Biblioteca blanca), NoguerasBlanchard, Barcelona
        Speech, Galerie Martin Van Zomeren, Amsterdam

2003 Mucho ruido y pocas nueces, Galería Habana, A Habana

2002 Wilfredo Prieto en el Wifredo Lam, Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, A Habana

2001 Matrioska, Centro de Desarrollo de las Artes Visuales, A Habana

2000 Matrioska, Centro de Desarrollo de las Artes Visuales, A Habana

2000 Pie de obra, (con James Bonachea), Centro Cultural ICAIC; Fundación Ludwig de Cuba, A Habana

1999 Conceptualismo Aditivo, (con James Bonachea), Galería Oscar F. M. Sancti-Spiritus, Cuba

Exposiciones colectivas (selección)

2010 29ª Bienal de São Paulo
        Beyond Entropy, 12ª Bienal de Arquitectura de Venecia
        Panamericana, Kurimanzutto, México City
        Future Generation Art Prize, Pinchuk Art Center, Kiev, Ucraína
        I'm Not Here. An Exhibition Without Francis Alÿs, De Appel Boys’ School, Amsterdam
        Antes de todo, CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles, Madrid
        Cosas que sólo un artista puede hacer, MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo

2009 Stowaways, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco, EUA
        Lisson presents 4, Lisson Gallery, Londres
        10ª Bienal da Habana

2008 Objects of Value, Miami Art Museum, Miami
        Fuck You Human, Maribel López, Berlín
        That was Then… This is Now, PS1 MoMA, Nova York
        The Disobedients, Annet Gelink, Amsterdam
        Greenwashing environment: peril, promise and perpexlity, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo,               Turín

2007 Territorios, 52ª Bienal de Venecia. Pabellón Italo-Latinoamericano
        Extraordinary Rendition. Nogueras Blanchard, Barcelona
        Errore di sistema-System error, Palazzo delle Papesse, Siena

2006 Bienal de Singapur

2005 The Hours. Visual Arts from Contemporary Latin America, Irish Museum of Modern Art, Dublín

2004 Cordially invited, (episode 3, Who if not we should at least try to imagine the future of all this?) 7           episodes on (ex)changing Europe, BAK, Utrecht

2003 VIII Bienal da Habana, Centro de Arte Contemporáneo Wilfredo Lam

2002 Exposición colateral á XXV Bienal de São Paulo, Memorial de América Latina, São Paulo, Brasil

2000 VII Bienal da Habana, DUPP

1999 El Tiempo como Espacio, Instituto Superior de Arte, A Habana

1998 I Festival de Performance Ana Mendieta, Unión Nacional de escritores y Artistas de Cuba, DUPP, A         Habana

1997 En busca de una huella (encuentro con la obra de Ana Mendieta), Cuevas de Jaruco, DUPP, A       Habana

Colecciones

Colección Peter Norton Family, California
Daros Collection of Latinamerican Art, Zúric
FRAC Corse, Francia
Verbund Collection, Viena
Colección Museum of Old and New, Tasmania

Texto curatorial


Apolítico es el título de una de las primeras piezas de Wilfredo Prieto, con la que participó en la 8ª Bienal de La Habana (2003) y, quizás, su obra más repetida y aclamada. El artista creó una ‘escultura’ impactante a partir de una mínima intervención en un objeto tan cotidiano y simbólico como la bandera: un conjunto de mástiles y telas ondeando en un complejo militar español, sede de la Bienal, llamaban la atención por su carácter aséptico, al verse despojadas de todo color, reducidas a tonalidades grises y convertidas en objetos neutros, ambiguos.

A pesar de la sencillez visual de la instalación, Apolítico es uno de los trabajos de Wilfredo Prieto que implica cierta complejidad en su factura, por la manipulación industrial a la que se someten las banderas para su ‘lavado’. El caso opuesto lo representa otra de sus obras tempranas, Paseo (2000), una performance consistente en llevar ‘de excursión’ por la isla caribeña de Curaçao, sobre una carretilla, una planta ornamental. La acción de liberar la planta de su encierro puede entenderse como la transposición de la misma experiencia que el artista está viviendo en el que fue su primer viaje fuera de Cuba, aunque las lecturas políticas que emanan de la obra de Wilfredo Prieto vienen dadas, más que por decisión del artista o sus acciones, por las connotaciones que poseen ciertos elementos o materiales que utiliza para elaborar sus piezas y que, sobre todo en su primera obra, provenían de su Cuba natal: los chícharos (guisantes) o el periódico ‘oficial’, el Granma. ‘Aunque intente hacer una obra puramente poética, siempre hay una carga política’, confiesa el artista en clara alusión a Francis Alÿs, uno de los creadores cuya influencia ha sido permanente en la obra del cubano.

Como se deduce de las dos piezas mencionadas, formalmente divergentes y con lecturas que van de lo político a lo absurdo, el trabajo de Wilfredo Prieto oscila entre lo grandioso y lo mínimo, entre lo que pertenece al ámbito de lo irrealizable —convertir un estadio de fútbol en un estanque donde los patos naden libremente o construir una autopista volteada como una cinta de Moebius y por la que circulen los coches sin llegar a ningún sitio más que al punto de partida— y lo que, por su discreción, pasaría desapercibido en un contexto ajeno al artístico. Ha llevado a cabo acciones u obras con maquinaria pesada, como la grúa que se levanta a sí misma (Sin título (Grúa), 2006) o el helicóptero atado a la pata de una mesa y en vuelo estacionario sobre el Centro de Arte Dos de Mayo en Móstoles (Amarrado a la pata de la mesa, 2011) mientras creaba alguna de sus obras más contundentes con el corazón de una sandía (Políticamente correcto, 2009), unos charcos de ron y Coca-Cola (Cuba libre, 2010) o dos monedas de euro superpuestas (Eclipse, 2010).

En el año 2008 Wilfredo Prieto cubrió el suelo de la galería Annet Gelink de Ámsterdam con cientos de chicles previamente mascados y dispuestos sobre el pavimento en cuadrícula, a una distancia equidistante unos de otros (Smart Gum (Chicle inteligente), 2008). Los chicles, como los otros materiales de los que se apropia para llevar a cabo su obra —guisantes, plátanos, jabón, huevos, café, agua, excrementos, paja, ropa— permanecen, la mayoría de las veces, íntegros, apenas alterados por la mano del artista, tan solo desposeídos de su habitual significado. Como estrategia, recurre al absurdo y al humor, que unidos a la descontextualización duchampiana, le permiten construir un discurso ambiguo —por la sencillez de la forma y la complejidad de significado— cuyo punto de partida es el espectador, que ‘hace la mitad del trabajo’, como diría Duchamp.

Wilfredo Prieto entiende el espectador como un elemento intrínseco a la obra, como lo sería su título o cualquier otro elemento comunicativo. Confiesa que, si bien no posee un interés particular en estudiar o conocer la reacción del público, su comportamiento y sus deducciones añaden nuevas lecturas a cada pieza abriéndolas a múltiples interpretaciones.

Las resonancias de la obra de Gabriel Orozco en la interpelación al espectador, en el uso de los materiales o en los títulos, o de Francis Alÿs en la apertura de significado, perviven en el trabajo de Prieto. De carácter conceptual y formalmente mínimas, aunque irónicas y narrativas, sus ‘intervenciones’ superan la autorreferencialidad minimalista, la alusión a sí mismas, y poseen abundantes referencias a nuestro contexto próximo, social o político. La alfombra roja que emplazó en una exposición (Sin título. Alfombra roja, 2007) contiene una referencia al poder, es un ready-made que funciona como mero objet trouvé hasta que nos percatamos de que posee un elemento más allá del símbolo, una modificación, y son los escombros que el artista ha escondido bajo la tela roja. La basura funciona como anti-símbolo o elemento contradictorio, un contrapunto que también encontramos en piezas como Uno, 2008: una montaña de 28 millones de diamantes falsos que esconden uno real. La intervención del artista consiste siempre en ese gesto mínimo, a veces imperceptible, que se nos desvela en el título y en la descripción de los materiales. Son ‘actos de experimentación’, como los define él mismo, fruto de la libertad con la que se enfrenta a su trabajo, huyendo de catalogaciones y definiciones.

Izquierda / Derecha

La simetría bilateral del espacio de exposición funciona como punto de partida en la intervención que Wilfredo Prieto crea específicamente para el MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo. Las dos salas, ubicadas en la primera planta, determinan el recorrido y sitúan al espectador en el dilema de elegir hacia dónde dirigirse, hacia la izquierda o hacia la derecha.

Si decidimos dirigirnos hacia la izquierda, recorreremos un pasillo que desemboca en una escultura monumental, un paralelepípedo rectangular, una forma geométrica simple ejecutada a gran escala a partir de una maqueta del artista. Y, hacia la derecha, nos encontramos con una escultura de exactas dimensiones en un espacio idéntico al de su lado opuesto.

Trabajar ‘con el espacio’, más que ‘en el espacio’, es lo que define toda pieza site-specific, que genera su significado a partir de la relación entre obra y lugar. Esta es una obra que responde a la arquitectura del lugar, así como a algunos presupuestos que caracterizan ese regreso a la forma que supuso el arte minimalista en los años sesenta del siglo XX. La simplicidad formal, la monumentalidad, unida a la producción industrial de los módulos que conforman las piezas, nos situarían ante un ortoedro minimalista si no fuese por el carácter povera del elemento constructivo: paja de cebada. Las alusiones que rechazaba Donald Judd cuando declaraba ‘no illusions, no allusions’, aparecen evocadas en el material que elige Wilfredo Prieto, en el olor, la textura, la procedencia y en la narratividad, tan relevante en su trabajo.

La intervención nos conduce a una de las paradojas más extendidas de la historia de la filosofía. Según Jean Buridan —filósofo escolástico francés del siglo XIV que defendía que la libertad no está necesariamente basada en fundamentos racionales—, cuando nos encontramos ante dos alternativas deseables elegiremos la mejor y, en caso de que sean iguales, la voluntad retrasará esa elección para analizar las consecuencias.

Los satirizadores de Buridan, basándose en la supuesta ‘inacción’ que supone equiparar razón y voluntad, en su defensa del libre albedrío y en su reflexión sobre los límites de la libertad de elección, crearon una paradoja sobre un asno hambriento que, ante dos montones de comida iguales y equidistantes, moriría de hambre al no poder tomar una decisión. La reducción al absurdo de la teoría del filósofo, extraída de Aristóteles y popularizada como el ‘asno de Buridan’, le sirve a Wilfredo Prieto para elaborar ‘Izquierda / Derecha’, reinterpretando la paradoja a partir de la fórmula que el crítico Gerardo Mosquera ideó para resumir su trabajo: idea neta (+) obra sencilla (=) significado máximo’’.

[Extracto del texto curatorial para el catálogo de la exposición]

Comisariado

Agar Ledo


Agar Ledo
es responsable de exposiciones del MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo, donde ha dirigido y coordinado los proxectos expositivos durante una década. Ha comisariado exposiciones de artistas como Ánxel Huete, Grace Schwindt, Gintaras Didžiapetris, Patricia Esquivias, Pedro Barateiro, Carlos Bunga o Diego Santomé, además de propuestas centradas en el análisis de la producción cultural en Galicia y en las implicaciones sociales y políticas que rodean la práctica artística. Con un Máster en museología y estancias de formación en Fred Jones Jr. Museum of Art (Norman, OK), Le Consortium (Dijon), Musée d’art contemporain de Lyon e ICI-Independent Curators International (Nueva York), su carrera profesional ha transcurrido en espacios como el CGAC (Santiago de Compostela, 1998-2004), la Fundación Luis Seoane (A Coruña, 2005) o la primera BIACS (Sevilla 2004-2005), donde trabajó como coordinadora en el equipo del que fue uno de los más visionarios comisarios e historiadores del arte del siglo XX: Harald Szeemann. Escribe regularmente en publicaciones especializadas y es miembro del Consejo de redacción de la revista Grial. Imparte docencia en distintos cursos de posgrado, como el Máster en Arte Contemporáneo, creación e investigación (UVigo, 2016-2017), el Curso de Experto Universitario en Gestión Cultural (USC, 2015-2017) o el Máster en Arte, Museología y Crítica Contemporáneas (USC, 2008-2012). Es miembro de la IKT-International Association of Curators of Contemporary Art e investigadora en el Departamento de Historia del arte de la Universidad de Santiago de Compostela, en la que completa su tesis doctoral: una revisión de la escena del arte en Galicia durante los anos setenta, década marcada por los últimos tiempos del franquismo y por la Transición.

Iñaki Martínez Antelo


Iñaki Martínez Antelo (Santiago de Compostela, 1969) es director del MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo, desde el 18 de noviembre de 2005. Es licenciado en Historia del Arte Contemporáneo por la Universidad de Santiago de Compostela, y máster en Estética y Teoría del Arte por el Instituto de Estética adscrito a la Universidad Autónoma de Madrid. Tras su paso por el Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela (1996-1998), fue coordinador de exposiciones en el Auditorio de Galicia (1998-2002) y coordinador de actividades culturales en Casa Asia, Barcelona (2002-2003). Desde el año 2003, poco después de su inauguración, venía desempeñando el cargo de responsable de exposiciones del MARCO, hasta que, tras un concurso público, fue designado director a finales de 2005. En febrero de 2011 es elegido presidente de la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España.