TEXTOS Y TESTIMONIOS SOBRE EL ARTISTA

Evocación y alabanza de Juan Giralt, por Carmen Giménez

“Conocí a Juan Giralt a principios de los años 70 en Madrid. Él era uno de los artistas principales de la modernísima Galería Vandrés, dirigida por Fernando Vijande con la colaboración de Marisa Torrente, y yo empezaba mi andadura profesional en Grupo Quince, un espacio multifuncional –taller de grabado, editora y galería– que estaba muy cerca de Vandrés. Gracias a esta cercanía y a los intereses y las amistades comunes, era frecuente que quienes formábamos el equipo de Grupo Quince, asistiéramos a las inauguraciones y performances de los artistas de Vandrés y que ellos hicieran lo propio en las nuestras. No faltaba mucho para la muerte del dictador; eran tiempos exaltados, pletóricos de esperanzas, en los que casi todos los que participábamos de la efervescencia cultural compartíamos un mismo objetivo: el deseo de que la escena artística madrileña y por extensión española, pese a las limitaciones impuestas por la dictadura, no se distinguiera de la de otras capitales europeas. Cualquiera que vea fotos de la época y que se informe mínimamente de las exposiciones y de los debates estéticos que nos ocupaban concederá que el objetivo se logró.

Pese a su juventud, Giralt tenía por entonces una trayectoria considerable. Procedía del informalismo, había militado en el expresionismo post-CoBrA y desde mediados de los años 60 practicaba una figuración que en sus primeras concreciones había buscado el espejo de Bacon y luego se había radicalizado bajo el influjo del pop. De su evolución a lo largo de esa primera etapa había ido dejando constancia en sus tempranas exposiciones de Ámsterdam, de São Paulo, de Madrid…, así como en bienales y ferias internacionales: de tal forma que, a la altura de 1972, con 32 años, cuando inauguró la primera de las tres individuales que celebraría en Vandrés, no sólo era un artista experimentado, sino que tenía ya lo más difícil: un estilo y una personalidad reconocibles. El deslumbrante uso del color o la afición al juego meta-pictórico estaban bien metidos en su genética, pero asimismo una dicotomía íntima que definiría su carrera. Como decía José Antonio Moreno Galván, uno de los críticos más importantes de la época, en la reseña de su explosiva exposición de 1974, convivían en él dos ingredientes en apariencia contradictorios: ‘De una parte, un cierto geometrismo formal en las estructuras; de otra, un espontaneísmo anti formal y expresivo, a veces próximo al humor y a la caricatura’. En lo que se equivocaba el comentario de Moreno Galván era en considerar esa exposición, titulada Papeles, recortables y collages –un éxito rotundo entre los propios pintores–, el triunfo definitivo de la parte expresionista, gestual, de Giralt, en detrimento de su parte más fría y analítica. El tiempo demostraría que la dicotomía nunca le abandonaría, que a la aparente oscilación le regía un propósito secreto.

Los años 80 del siglo pasado llegaron a España como un vendaval; entraron en escena nuevos actores, desaparecieron otros y, algunos, como Giralt, se atrincheraron en sus cuarteles convirtiendo el desconcierto en una oportunidad para experimentar y romper con modos de hacer que peligrosamente podían derivar en el encorsetamiento. Yo viví intensamente esos años al frente de la Dirección General de Exposiciones del Ministerio de Cultura, comisariando exposiciones que nunca se habían visto en España o poniendo las bases de proyectos tan necesarios como el Centro de Arte Reina Sofía (1986) que más tarde se convertiría en Museo Nacional (1988). Me vi con él muy intermitentemente. Alguna vez en Nueva York con nuestra común amiga Daniela Tilkin, alguna vez con Juan Muñoz… Por lo demás, él tampoco se prodigaba expositivamente y poco a poco llegué a perderle la pista. Ocasionalmente veía alguna obra suya en Arco, pero nunca las suficientes como para hacerme una idea cabal de la evolución de su trabajo.

En realidad, no me reencontré con él y con su obra hasta la década de los años 90, a través de sus exposiciones en las galerías Bárcena & Cía., Afinsa-Almirante y Metta. Su pintura, que había mantenido el colorido eclecticismo de los 70, el gusto por el juego con la palabra pintada y el collage, se mostraba en un punto óptimo de maduración. Las viejas dicotomías habían sido superadas –tal vez ese fue su plan desde el principio–, y todos los Giralt habidos confluían en una obra deslumbrante –emocional, irónica, desinhibida, culta, inequívocamente plástica– que no se parecía a la de nadie.

Cuando Juan Giralt murió en enero de 2007, después de empalmar tres maravillosas exposiciones en la Galería Machón que lo confirmaron como una de las figuras esenciales de la generación pictórica que protagonizó en España el cambio de siglo, me quedé con la duda triste de si su inmensa talla como artista sobreviviría a la injusticia de las modas, de los reseñistas de ocasión y de las perezosas sinergias que dominan a menudo el mercado artístico. De una conversación sobre ello con Manuel Borja-Villel nació la exposición antológica de Juan Giralt que ambos comisariamos en el Centro de Arte Museo Nacional Reina Sofía en la temporada 2015-2016. Me alegra mucho haber contribuido así a que la obra de Juan Giralt gane cada día, como parece, nuevos admiradores.”

Carmen Giménez [Texto para el catálogo de la exposición Juan Giralt: control y fuga, Mostra Espanha 2021, Lisboa]

Juan Giralt, maestro, por Darío Villalba

“Creo justo insistir en que, junto a Luis Gordillo, [Juan Giralt] fue el maestro inicial e incontestable de la llamada ‘Figuración Madrileña’ con su peculiar forma dialéctica de entender la pintura: tesis, gesto, construcción, síntesis, reflexión, conjugación y conciliación de opuestos, etc. El denominador común de los artistas que emergieron de esa escuela fue, simplificando mucho, el color. Era, para aquellos que se veían implicados en ese diálogo, precisamente el color, el factor descodificante y disociante frente al acromático grupo de El Paso.

El insólito empleo del color de Juan Giralt lo coloca, fuera de toda duda, a la cabeza de la mejor sensibilidad cromática de todo el arte español de la segunda mitad del siglo XX. Sólo lo podría comparar al Tàpies jugoso, a Mompó o tal vez a Ràfols-Casamada. La paleta de Juan Giralt, absolutamente imposible de imitar por su densidad y pulcritud, me hace pensar en el mejor Bacon por su húmeda frondosidad y espeso trazo. Al pensar en Giralt pienso en violeta y verde, naranja y azul, siempre ha sido así. Usar color no es, desde luego, acumular cuantitativamente diversidad de pigmentos. Vivir dentro y fuera del color, conjugar su inimitable (por innata) espontaneidad con la más espesa autocensura de anárquica libertad, es sólo propio de Giralt. Realmente es un auténtico pintor con todo lo que esto conlleva de repulsa al virtuosismo, fórmulas o esteticismos inútiles que todos conocemos.

Juan no dibuja con el color, obliga espontáneamente a que éste se dilate con autonomía propia. Su gesto se auto-informa del anterior, y podría decir de Giralt lo que Max Ernst ya dijo: ‘La mano no olvida lo que el ojo ha inventado’.

Aun a estas alturas de mi caminar en solitario, y en clandestina obcecación, me sigue perturbando y asombrando cómo la historia presente (o la fortuna crítica de cada cual) comete insó1itas incorrecciones. Históricamente nunca ha cambiado. Afortunadamente escuelas ‘revisionistas’ lúcidas han aclarado muchos equívocos críticos, aunque bien sabemos que no hay verdades absolutas sino aproximaciones. En la dilucidación plástica cada época tiene su forma de leer el arte.

Con respecto a Juan Giralt, ¿por qué no está estudiado en el lugar que le pertenece por derecho propio estando tan próxima y viva su resolución estética? Creo que se debe a lecturas superficiales y rápidas con frívolas etiquetas, por un lado y, por otro, al propio carácter del pintor, poco amigo, por su exacerbado sentido crítico y silencioso, a autorreferencias complacientes o estrategias prácticas. Sobrevolando voces más osadas y avasalladoras, su compleja discreción y timidez le han hecho, por fortuna, ensimismarse fructíferamente en su pintura, que ahora nos muestra con absoluta rotundidad.

Me arriesgo a no poner en tela de juicio el rango y categoría de su obra y a considerarlo maestro.

Sin riesgo no hay nada, ni siquiera libertad.”

Darío Villalba [Extracto del texto para el catálogo de la exposición Juan Giralt, Palacio de Revillagigedo, Oviedo, 1997]

Los pa(i)sajes interiores de Juan Giralt, por Daniel Verbis

“A partir de los años ochenta Giralt pinta con la libertad irrenunciable del que sabe que la pintura ‘moderna’ tiene su origen en el collage, que lo impredecible necesita encontrar un anclaje y que la reversibilidad del espacio es una condición de lo moderno, que a través del montaje el espectador descubre otras armonías, otras consonancias menos predecibles precisamente por indeliberadas. Cada fragmento de la pintura de Giralt se gradúa naturalmente en su independencia relativa, porque el cuadro aspira a ser plurívoco. Giralt añade al paisaje abstracto un signo realista que contrarresta la extrañeza de la pintura con retazos de lo más cotidiano. La postal realista, que funciona como un atributo de cotidianeidad, comparte el mismo espacio que el trazo suntuoso, esa senda bosquejada que va sorteando el esquema geométrico, y la palabra, ese elemento tipográfico que tímidamente se deja oír en el rincón más baldío, allí donde más se percata uno de lo difícil que es convivir con el silencio (‘Cenital’, 1998). Cada uno de estos elementos no deja de ser un foco de atención que se tiene que articular con la libertad de unas reglas puramente pictóricas, unas reglas no escritas que responden a un orden precario nunca dado de antemano.”

Daniel Verbis [Extracto del texto para el catálogo de la exposición Juan Giralt, MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo, 2023]